Maeve Gilchrist: The Harpweaver
I saw my mother sitting
On the one good chair,
A light falling on her
From I couldn’t tell where,
Looking nineteen,
And not a day older,
And the harp with a woman’s head
Leaned against her shoulder.
Her thin fingers, moving
In the thin, tall strings,
Were weav-weav-weaving
Wonderful things.
-From “The Ballad of the Harpweaver” (Millay)
Written originally for Celtic harp by Scottish harpist and composer Maeve Gilchrist (b. 1985), The Harpweaver was inspired by American poet Edna St Vincent Millay’s Pulitzer-winning piece, “The Ballad of the Harpweaver,” which tells the story of a poor woman who uses a magical harp to weave clothes for her young son. Gilchrist writes that when she encountered Millay’s poem, she saw in it “the power of maternal love and the symbiotic relationship between instrument and player.” I chose this work, not only because it expresses both Gilchrist’s unique musical voice and the voice of the poem’s mother, but because its evocation of traditional Irish and Scottish styles showcases the harp’s deep roots in Celtic folk music.
Germaine Tailleferre: Sonata for Harp
Germaine Tailleferre (1892-1983) is perhaps best known for being a member of “Les Six,” a group of French composers who resisted the lush decadence of German Romanticism and French Impressionism, favoring instead the clarity of neoclassicism. While several of the “Les Six” composers—such as Darius Milhaud and Francis Poulenc—are still highly regarded in the classical music canon, Tailleferre has not received comparable attention. The only female member in the group, she also experienced inordinate discrimination from music critics during her time, with many regarding her compositions as simple or charmingly feminine.
Tailleferre’s Sonata, which was written for the harpist Nicanor Zabaleta, captures her perspective as a composer: “I write music because it amuses me. It’s not great music, I know, but it’s gay, light-hearted music which is sometimes compared with that of the ‘petits maitres’ of the 18th century. And that makes me very proud.” The first movement (Allegretto) illustrates the influence of neoclassicism in the way the music box-like melody dances over the accompanying lines. The second movement (Lento), supposedly inspired by Erik Satie’s Gymnopédies, sounds like a contemplative, intimate dance, and the final movement (Perpetuum mobile) sparkles and bubbles as Tailleferre weaves a lyrical tune in and out of cascading sixteenth notes.
Pearl Chertok: Around the Clock Suite
Pearl Chertok (1918-1981) was an American harpist, teacher, composer highly regarded for her prolific work in television. She was the only female member of the CBS Orchestra, which played for the Ed Sullivan Show as well as many other celebrity television specials. As a composer, she often incorporated elements of big band jazz and swing music—likely influenced by the popularity of those styles in television variety shows—into her writing. Around the Clock Suite is one of her most widely performed works and is a consummate example of how she combined jazz, classical harp writing, and modern harp effects (extended techniques) into a distinct musical language. Each of the movements evokes a colourful scene from a day in a mid-century New York City woman’s life, taken perhaps from Chertok’s own experiences: window shopping on Fifth Avenue (“Ten Past Two”), getting ready for a night out (“Beige Nocturne”), dancing for hours at the club (“Harpicide at Midnight”), before starting a new day (“The Morning After”).
Henriette Renié: Contemplation
Considered one of the greatest female harpists of the twentieth century, Henriette Renié (1875-1956) was a prodigy as both a performer and a composer. She entered the Paris Conservatory at the age of nine and received the Première Prix two years later. In 1887, she enrolled in counterpoint and composition classes—the only female student alongside eighteen male classmates. Throughout her life, Renié was a fierce advocate for the harp, writing demanding, virtuosic repertoire for it that challenged people’s expectations of the instrument as something played at home by young women.
The one thing that was more important to Renié than the harp was her religious faith. A devout Catholic, she wrote in one of her journals that “without a doubt, God would want me to pass through life, barely putting my feet down.” Contemplation expresses the deeply personal side of Renié, who lived an extremely private (and ascetic) life. Although many of her other works are more brilliantly show off the harp, this piece, to me, is speaks most intimately and clearly to who Renié was—not only as a harpist and composer—but as a woman.
Kati Agócs: Every Lover is a Warrior
He picked her up all in his arms
And kisses gave her one two and three
Saying weep no more my own true love
I am your long lost John Riley.
-From “John Riley”
Canadian-American composer Kati Agócs (b. 1975) wrote Every Lover is a Warrior with the themes of love and war connecting the three movements. She draws from traditional folk songs from three geographical regions, each telling a story about the resilience of faithful love. The first movement is based on the Appalachian tune (derived from an English folk ballad) “John Riley” and incorporates elements of American bluegrass as a homage to Appalachian musical culture. The lyrics of “John Riley” speak of a soldier who, after eight years of being away at war, tests whether his girlfriend has remained loyal to him. Because she does not recognize him, he attempts to woo her, but she persistently resists him. Finally, he reveals that his identity to her. The title of second movement, “Love is Come Again,” refers to a line from the English hymn “Now the Green Blade Riseth,” which in turn is set to the tune from the French carol “Noël Nouvelet.” Agócs notes that the love depicted in the second movement is “more spiritual than romantic” as it “depicts a savior coming to earth as a lover of mankind, and as a warrior for love.” The final movement intertwines two Hungarian folk songs, one titled “Ked’ my pryshla karta” (“When they take me for a soldier”) and the second an untitled Csárdás (Hungarian dance tune). Both songs tell stories of soldiers who, when they go off to war, leave loved ones behind; Agócs describes those women as “warriors too in their own way, through their faith.”
Alexina Louie: From the Eastern Gate
One of Canada’s most notable contemporary composers, Alexina Louie (b. 1949) wrote From the Eastern Gate for the Canadian harpist Erica Goodman, whose recording of the work appeared on her JUNO Award-winning album, Erica Goodman Plays Canadian Harp Music. Although From the Eastern Gate was Louie’s initial foray into writing for solo harp, her iconic “East meets West” compositional style is present in the piece, namely through her drawing inspiration from the musical effects and style of the guqin (a type of traditional Chinese plucked instrument). Some prominently borrowed characteristics include an improvisatory counting, emotive melodies, and special techniques such as pitch bending and sliding.
As the child of second-generation Chinese Canadians, Louie has said that her early experience with Chinese music was minimal: limited to celebrations and outings to Chinese restaurants. Her desire to synthesize the two parts of her cultural background emerged through artistic exploration, and even so, the outcome has been more about create a unique perspective, rather than searching for authenticity. From the Eastern Gate is a special work to me because, in demonstrating Louie’s pursuit of her musical voice through negotiating cultural tensions, it has also helped me discover mine.
Caroline Lizotte: La Madone
Caroline Lizotte (b. 1969) writes, “La Madone is a love song that depicts the contemplation of the mother with child … we continuously hear the rocking chair on which the mother is singing. Her words are sometimes soft, sometimes distressful, and at the same time filled with weariness and admiration. You know… those moments share by a mother and her newborn child. Both end up falling asleep in the softness of the harmonic sounds, and in the bliss of belonging to each other.”
Based in Montréal, Lizotte is one of the most innovative Canadian composers of harp music. Herself an accomplished harpist, she understands the technical idiom of the instrument and knows it well enough to challenge its limits. Her compositional style is characterized by expansive harmonies, fearless exploration of extended techniques, and a fascination with mythological characters—the combination of the three generates a musical landscape that sounds both old and new, that illuminates the harp’s ancient roots while imagining its place in the future.
Maeve Gilchrist: The Harpweaver (La tisseuse de harpe)
I saw my mother sitting
On the one good chair,
A light falling on her
From I couldn’t tell where,
Looking nineteen,
And not a day older,
And the harp with a woman’s head
Leaned against her shoulder.
Her thin fingers, moving
In the thin, tall strings,
Were weav-weav-weaving
Wonderful things.
J’ai vu ma mère assise
Sur la seule bonne chaise,
Une lumière tombant sur elle
D’où je ne saurais dire,
Elle avait l’air d’avoir dix-neuf ans,
Et pas un jour de plus,
Et la harpe avec une tête de femme
Était appuyée sur son épaule.
Ses doigts fins, se déplaçant
Dans les cordes minces et hautes,
Tissaient, tissaient, tissaient
Des choses merveilleuses.
-Extrait de « The Ballad of the Harpweaver » (La ballade de la tisseuse de harpe) (Millay)
Écrit à l’origine pour harpe celtique par la harpiste et compositrice écossaise Maeve Gilchrist (née en 1985), The Harpweaver s’inspire de l’œuvre de la poétesse américaine Edna St. Vincent Millay, « The Ballad of the Harpweaver », récompensée par un prix Pulitzer, qui raconte l’histoire d’une femme pauvre qui utilise une harpe magique pour tisser des vêtements pour son jeune fils. Gilchrist écrit que lorsqu’elle a découvert le poème de Millay, elle y a vu « le pouvoir de l’amour maternel et la relation symbiotique entre l’instrument et le joueur ». J’ai choisi cette œuvre, non seulement parce qu’elle exprime à la fois la voix musicale unique de Gilchrist et la voix de la mère du poème, mais aussi parce que son évocation des styles traditionnels irlandais et écossais met en valeur les racines profondes de la harpe dans la musique folklorique celtique.
Germaine Tailleferre: Sonate pour harpe
Germaine Tailleferre (1892-1983) est peut-être mieux connue pour avoir fait partie du groupe « Les Six », un groupe de compositeurs français qui ont résisté à la luxuriante décadence du romantisme allemand et de l’impressionnisme français, préférant la clarté du néoclassicisme. Alors que plusieurs des compositeurs du groupe « Les Six », tels que Darius Milhaud et Francis Poulenc, sont toujours hautement considérés dans le canon de la musique classique, Tailleferre n’a pas reçu une attention comparable. Seule femme du groupe, elle a également fait l’objet d’une discrimination démesurée de la part des critiques musicaux de son époque, beaucoup d’entre eux considérant ses compositions comme simples ou charmantes et féminines.
La Sonate de Tailleferre, écrite pour le harpiste Nicanor Zabaleta, reflète son point de vue de compositrice : « J’écris de la musique parce qu’elle m’amuse. Ce n’est pas de la grande musique, je le sais, mais c’est une musique gaie, légère, que l’on compare parfois à celle des ‘petits maîtres’ du XVIIIe siècle. Et j’en suis très fière ». Le premier mouvement (Allegretto) illustre l’influence du néoclassicisme dans la manière dont la mélodie, semblable à une boîte à musique, danse au-dessus des lignes d’accompagnement. Le deuxième mouvement (Lento), prétendument inspiré par Gymnopédies d’Erik Satie, ressemble à une danse contemplative et intime, et le dernier mouvement (Perpetuum mobile) (Mouvement perpétuel) pétille et fait des bulles tandis que Tailleferre tisse une mélodie lyrique à l’intérieur et à l’extérieur de doubles croches en cascade.
Pearl Chertok: Around the Clock Suite (Suite 24 heures sur 24)
Pearl Chertok (1918-1981) était une harpiste, enseignante et compositrice américaine très appréciée pour son travail prolifique à la télévision. Elle était la seule femme membre de l’orchestre de la CBS, qui jouait pour la télévision dans le cadre du Ed Sullivan Show et de nombreuses autres émissions spéciales de célébrités. En tant que compositrice, elle a souvent incorporé des éléments de jazz big band et de musique swing – probablement influencés par la popularité de ces styles dans les émissions de variétés télévisées – dans son écriture. Around the Clock Suite est l’une de ses œuvres les plus jouées et constitue un exemple parfait de la manière dont elle a combiné le jazz, l’écriture classique à la harpe et les effets modernes de la harpe (techniques étendues) en un langage musical distinct. Chacun des mouvements évoque une scène colorée d’une journée de la vie d’une New-Yorkaise du milieu du siècle, peut-être tirée des propres expériences de Chertok : faire du lèche-vitrine sur la Cinquième Avenue (« Ten Past Two », ‘Deux heures dix’), se préparer pour une soirée (« Beige Nocturne », ‘Nocturne beige’), danser pendant des heures au club (« Harpicide at Midnight », ‘Harpicide à minuit’), avant de commencer une nouvelle journée (« The Morning After », ‘Le lendemain matin’).
Henriette Renié: Contemplation
Considérée comme l’une des plus grandes harpistes du vingtième siècle, Henriette Renié (1875-1956) fut un prodige à la fois comme interprète et comme compositrice. Elle entre au Conservatoire de Paris à l’âge de neuf ans et obtient le Premier Prix deux ans plus tard. En 1887, elle s’inscrit dans les classes de contrepoint et de composition, seule femme parmi ses dix-huit camarades masculins. Tout au long de sa vie, Renié a défendu avec acharnement la harpe, écrivant pour elle un répertoire exigeant et virtuose qui remettait en question l’idée que l’on se faisait de l’instrument, joué à la maison par des jeunes femmes.
La seule chose qui était plus importante pour Renié que la harpe était sa foi religieuse. Catholique fervente, elle écrit dans l’un de ses journaux que « sans aucun doute, Dieu voudrait que je traverse la vie en posant à peine les pieds par terre ». La contemplation exprime le côté profondément personnel de Renié, qui menait une vie extrêmement privée (et ascétique). Bien que nombre de ses autres œuvres mettent plus brillamment en valeur la harpe, c’est cette pièce qui, à mon sens, exprime le plus intimement et le plus clairement qui était Renié, non seulement en tant que harpiste et compositrice, mais aussi en tant que femme.
Kati Agócs: Every Lover is a Warrior (Chaque amant est un guerrier)
He picked her up all in his arms
And kisses gave her one two and three
Saying weep no more my own true love
I am your long lost John Riley.
Il l’a prise dans ses bras
Et lui donna des baisers un, deux et trois
En lui disant : « Ne pleure plus, mon amour,
Je suis ton John Riley, perdu depuis longtemps. »
-Extrait de « John Riley »
La compositrice canado-américaine Kati Agócs (née en 1975) a écrit Every Lover is a Warrior (Chaque amant est un guerrier) en reliant les thèmes de l’amour et de la guerre dans les trois mouvements. Elle s’est inspirée de chansons folkloriques traditionnelles de trois régions géographiques, chacune racontant une histoire sur la résilience de l’amour fidèle. Le premier mouvement est basé sur la chanson appalachienne (dérivée d’une ballade de folklorique anglaise) « John Riley » et incorpore des éléments de bluegrass américain en hommage à la culture musicale des Appalaches. Les paroles de « John Riley » parlent d’un soldat qui, après huit ans d’absence à la guerre, vérifie si sa petite amie lui est restée fidèle. Comme elle ne le reconnaît pas, il tente de lui faire la cour, mais elle s’obstine à lui résister. Finalement, il lui révèle son identité. Le titre du deuxième mouvement, « Love is Come Again » (L’amour est revenu), fait référence à un vers de l’hymne anglais « Now the Green Blade Riseth » (La verte pousse se dresse à présent), lui-même composé sur l’air du chant français « Noël Nouvelet ». Agócs note que l’amour dépeint dans le deuxième mouvement est « plus spirituel que romantique » car il « dépeint un sauveur venant sur terre en tant qu’amoureux de l’humanité et en tant que guerrier de l’amour ». Le dernier mouvement mêle deux chansons folkloriques hongroises, l’une intitulée « Ked’ my pryshla karta » (« Quand ils me prennent pour un soldat ») et la seconde, un Csárdás (air de danse hongrois) sans titre. Les deux chansons racontent l’histoire de soldats qui, lorsqu’ils partent à la guerre, laissent derrière eux des êtres chers; Agócs décrit ces femmes comme « des guerrières elles aussi, à leur manière, grâce à leur foi ».
Alexina Louie: From the Eastern Gate (De la porte de l’Est)
Alexina Louie (née en 1949), l’une des compositrices contemporaines les plus remarquables du Canada, a écrit From the Eastern Gate pour la harpiste canadienne Erica Goodman, dont l’enregistrement de l’œuvre figure sur son album Erica Goodman Plays Canadian Harp Music (Erica Goodman joue de la musique de harpe canadienne), récompensée par un prix JUNO. Bien que From the Eastern Gate soit la première incursion de Louie dans l’écriture pour harpe solo, son style de composition emblématique « East meets West » (L’Orient rencontre l’Occident) est présent dans l’œuvre, notamment en s’inspirant des effets musicaux et du style du guqin (un type d’instrument traditionnel chinois à cordes pincées). Parmi les caractéristiques les plus fréquemment empruntées, citons un comptage improvisatoire, des mélodies émouvantes et des techniques spéciales telles que la flexion de la hauteur du son et le glissement.
Enfant de Canadiens d’origine chinoise de la deuxième génération, Louie a déclaré que son expérience précoce de la musique chinoise était minime : elle se limitait aux célébrations et aux sorties dans des restaurants chinois. Son désir de synthétiser les deux parties de son bagage culturel est apparu par le biais d’une exploration artistique, et même ainsi, le résultat a davantage consisté à créer une perspective unique qu’à rechercher l’authenticité. From the Eastern Gate est une œuvre spéciale pour moi car, en démontrant la recherche par Louie de sa voix musicale à travers la négociation des tensions culturelles, elle m’a également aidé à découvrir la mienne.
Caroline Lizotte: La Madone
Caroline Lizotte (née en 1969) écrit : « La Madone est une chanson d’amour qui dépeint la contemplation de la mère avec son enfant … nous entendons continuellement la chaise berceuse sur laquelle la mère chante. Ses paroles sont tantôt douces, tantôt angoissées, et en même temps remplies de lassitude et d’admiration. Vous savez… ces moments partagés par une mère et son nouveau-né. Tous deux finissent par s’endormir dans la douceur des sons harmoniques, et dans le bonheur d’appartenir l’un à l’autre. »
Établie à Montréal, Mme Lizotte est l’une des compositrices canadiennes les plus novatrices dans le domaine de la musique pour harpe. Elle-même harpiste accomplie, elle comprend l’idiome technique de l’instrument et le connaît assez bien pour en repousser les limites. Son style de composition se caractérise par des harmonies expansives, une exploration intrépide des techniques étendues et une fascination pour les personnages mythologiques. La combinaison des trois crée un paysage musical qui sonne à la fois ancien et nouveau, qui met en lumière les racines anciennes de la harpe tout en imaginant sa place dans l’avenir.
