“Visions From the Other Side” challenges the premise of the classical music concert setting by boldly turning it on its head. Curated and performed by violin-piano ensemble Duo Cordelia, this program offers listeners a different path to experience chamber music. The two seasoned musicians invite the public to a place of deep reflection, humour and wonder by presenting well-researched repertoire written by truly revolutionary artists, as well as original compositions by violinist Vanessa Marcoux. The duo also showcases musical improvisation, which creates unique moments where time is suspended and the audience and performers are participants in an unfolding creation. These elements are stitched together in a compelling tale of resilience, following the common thread of composers achieving emotional survival by escaping to imaginary musical landscapes of immense contrast and depth. Ultimately, this concert goes to the heart of our deep connection to music.
Fazil Say (1970-)
Violin Sonata op.7 no.1
Fazil Say composed this work after it was commissioned by the “Arizona Friends of Chamber Music” association. The work was first performed by the composer and violinist Mark Peskanov in Tuscon, Arizona. The sonata is comprised of five movements: The Introduction and Epilogue (first and fifth movements) are entitled Melancholy. The middle movements constitute a brief tour through Anatolia. The first movement contains psychological reflections and expresses an emotional, perhaps even “misty” romanticism. It may be the expression of one’s “inner world”… This passage transforms hidden secrets into “memories”. The memories gain a more concrete identity in the succeeding three movements. The second movement, Grotesque, transports us to an old scene of Ottoman revelry. This passage approaches an interesting scherzo with the colours produced by the kanun and ud, the rhythm of the drum and the various modal motifs. We should note that a heavy object is placed on the bass piano wires in order to suggest the timbre of traditional instruments. The third movement, Perpetuum mobile, begins with a stormy “Horon” (Black Sea folk dance) and its uninterrupted frenzy of motion (the violin simulates the playing of the Kemençe, a small stringed instrument of the region) sweeps us into a folkloric environment. The fourth passage takes as its theme the popular folk song “Odam Kireçtir Benim” (My room is white-washed). The melody is heard through the misty chords of the piano and violin. Later, the piano assumes a “solo” reminiscent of “improvisation”. A type of muting is obtained by pressing the piano wires with the left hand to ensure that the notes are closer here to the “colours” of a “ba 5lama”. Following these middle movements, we return once more to the “inner world”: The fifth movement is a recapitulation (Da Capo) of the first. It is as though the “memories” which comprise the three middle movements are replaced by the “sorrow” of today.
Dmitri Shostakovich (1919-1975)
4 Preludes, op. 34
Dmitri Shostakovich was a Soviet Russian composer and pianist and a prominent figure in 20th-century music. Originally part of a set of twenty-four short pieces written for solo piano in 1932-1933, these four preludes were later selected and arranged by violinist Dmitri Tsyganov, who adapted them so admirably that Shostakovich later confessed: “When I hear the transcriptions, I forget meanwhile that I actually composed the Preludes for piano. They sound so violinistic.” This intimate collection, written by the composer at the astounding age of twenty-six, already contains all the verve, mastery and depth that we can find in his later symphonic works.
Gabriel Fauré (1845-1924)
Romance in B-flat Major for Violin and Piano, op. 28
This piece is a good example of why history recognizes Fauré as one of the greatest melodists of his generation. Although this Romance is now recognized as a masterpiece, it was not the case at the time of its creation. Gabriel Fauré noted that at the first hearing of the Romance, the work “was received with much grinding of teeth.” This event took place at the home of Louis and Pauline Viardot, prominent figures among the Parisian cultural elite. “At the second hearing,” Fauré continued, “the lights began to go on, and at the third hearing, it provoked comparison with a limpid stream coursing through green meadows! What a pity one cannot always begin with the third hearing.”
Philip Glass (1937-)
Sonata for Violin and Piano
One of the most prolific and influential composers of our age, Philip Glass is the first composer to win a wide, multi-generational audience in the opera house, the concert hall, the dance world, in film and in popular music – simultaneously.
Philip Glass says about this sonata: “ Among my earliest memories of enjoying music are the many hours spent listening to the great masterpieces of 19th-century chamber music with my father, Benjamin Glass. He had a small record shop in downtown Baltimore and he regularly would bring home albums. Among his favourites were the violin/piano sonatas of Brahms, Fauré and the great masterpiece of Franck. I spent many, many hours with my father listening to these works.”
He further comments:
“When Mario Bachman (who was the first violinist to perform the piece) approached me about a new work, these musical memories immediately came to mind. Of course, the great composers of the past have set an almost impossible standard for the present. However, it is fair to say that they continue to inspire today’s and, hopefully, future generations. Also, it is fair to say that, even as the language of music continues to grow with the times, many basic elements of structure, harmony and rhythm will have a somewhat familiar sound to today’s audiences.”
Vanessa Marcoux (1986-)
Aquatic Suite
This suite was written over the course of three years for our duo. The second movement, originally for piano solo, was later arranged to include the violin. I use music composition mainly as a tool to facilitate travels to otherwise inaccessible realms. In keeping with this idea, I decided to turn my focus towards oceanic pursuits for this work. The Suite takes the listener on a journey to explore any and all dark corners of the vast sea. It plunges into an imaginary abyssal world, following the thread of a whimsical scenario involving a goldfish and the discovery of an elusive underwater tavern…
Barbara Heller (1936-)
Lalai, a lullaby to awaken you?
Barbara Heller was born into a family of restaurateurs in 1936 in Ludwigshafen on the Rhine. She studied music in Manheim and Munich and taught piano from 1958 to 1962 at the Manheim College of Music. She then studied composition under Hans Vogt (Manheim) and Harald Genzmer (Munich). As a founding member of the “Internationaler Arbeitskreis Frau un Musik E. V.” (Women in Music Germany), she has dedicated herself to the revival of works by forgotten female composers. Her works are characterized by openness and the love of experimentation, but they always challenge the improvisational imagination of the interpreters. Furthermore, through her music, she is seeking closeness to nature – for her synonymous with the opening into a sound cosmos that will bring her into contact with the everlasting flow of existence.
Heller based this piece on a song composed by a group of intellectuals who were executed in Teheran in 1955 under the Shah’s regime. “It is a resistance song about a mother who sings a lullaby to her child, telling him what happened to his father. The song was sung as a resistance song by, among others, Iranian students abroad during the period of the Shah’s rule” (Dr. Farideh Akashe-Böhme). Using this song as a model, with the cooperation of the violinist Helga Wähdel, Barbara Heller composed the duo Lalai in January 1989 for 50 Iranian women who were being held captive under the Chomeini regime. As a public declaration of solidarity calling for their rescue and release from Evin Prison in Teheran, Heller, and Wähdel opened a concert with this work on January 27, 1989 in Bonn. The composer further commented – “I wrote Lalai from the heart.”
Mussorgsky (1839-1881)
Pictures at an Exhibition – Excerpts (arr. Duo Cordelia)
Although this Suite is now widely recognized as one of Mussorgsky’s quintessential works, its public reception was mixed for a long time, even after the composer’s death. Prominent musicologist Arthur Pouguin deemed it shapeless, without any colour cohesion, and largely inadequate for public presentation. It was Maurice Ravel, with his unfathomable instinct and perceptive nature, who, at the behest of conductor Serge Koussevitzky, dusted off the cobwebs from the original manuscript and proceeded to promote the work’s revival, mainly by producing a stunning arrangement for orchestra in 1922. Other arrangements had been written before, but they quickly evaporated from the public sphere once Ravel’s version was popularized.
The piece was inspired by the death of the composer’s dear friend, artist and architect Viktor Hartmann. After his passing, Mussorgsky went to an exhibition of his paintings, and the emotion from this visit prompted him to write the Pictures in a short span of six weeks. The work portrays the composer walking through the gallery and stopping in front of each painting to contemplate and reflect upon Hartmann’s art. Each Picture comes with its own scenario, depicting an array of creatures and scenes from everyday life. The rich and varied topics are translated into vivid musical portrayals full of life, spark and suspense, to form a beautiful tribute to the Russian spirit in music.
« De l’autre côté du miroir » remet en question le principe du concert de musique classique en le renversant audacieusement. Conçu et interprété par l’ensemble violon-piano Duo Cordelia, ce programme propose aux auditeurs une expérience différente de la musique de chambre. Les deux musiciennes chevronnées invitent le public à un lieu de réflexion profonde, d’humour et d’émerveillement en présentant un répertoire bien documenté écrit par des artistes véritablement révolutionnaires, ainsi que des compositions originales de la violoniste Vanessa Marcoux. Le duo fait également appel à l’improvisation musicale, qui crée des moments uniques où le temps est suspendu et où le public et les interprètes participent à une création en cours. Ces éléments sont cousus ensemble dans une histoire fascinante de résilience, suivant le fil commun des compositeurs qui atteignent la survie émotionnelle en s’échappant vers des paysages musicaux imaginaires d’un contraste et d’une profondeur immenses. En fin de compte, ce concert touche au cœur de notre lien profond avec la musique.
Fazil Say (1970-)
Sonate pour violon op. 7 n° 1
Fazil Say a composé cette œuvre à la suite d’une commande de l’association « Arizona Friends of Chamber Music ». L’œuvre a été créée par le compositeur et le violoniste Mark Peskanov à Tucson, en Arizona. La sonate est composée de cinq mouvements : l’introduction et l’épilogue (premier et cinquième mouvements) sont intitulés Mélancolie. Les mouvements du milieu constituent une brève visite de l’Anatolie. Le premier mouvement contient des réflexions psychologiques et exprime un romantisme émotionnel, peut-être même « brumeux ». Il peut s’agir de l’expression d’un « monde intérieur »… Ce passage transforme des secrets cachés en « souvenirs ». Les souvenirs acquièrent une personnalité plus concrète dans les trois mouvements suivants. Le deuxième mouvement, Grotesque, nous transporte dans une ancienne scène de fête ottomane. Ce passage se rapproche d’un scherzo intéressant avec les couleurs produites par le kanoun et l’oud, le rythme du tambour et les différents motifs modaux. Notons qu’un objet lourd est placé sur les cordes graves du piano afin de suggérer le timbre des instruments traditionnels. Le troisième mouvement, Perpetuum mobile, commence par un « Horon » (danse folklorique de la mer Noire) orageux et sa frénésie ininterrompue de mouvements (le violon reproduit le jeu du Kemençe, petit instrument à cordes de la région) nous emporte dans un environnement folklorique. Le quatrième passage prend pour thème la chanson populaire « Odam Kireçtir Benim » (Ma chambre est blanchie). La mélodie est entendue à travers les accords brumeux du piano et du violon. Plus tard, le piano prend un « solo » qui ressemble à une « improvisation ». Une sorte de sourdine est obtenue en appuyant sur les fils du piano avec la main gauche pour que les notes se rapprochent ici des « couleurs » d’un « ba 5lama ». Après ces mouvements médians, nous revenons à nouveau au « monde intérieur » : le cinquième mouvement est une récapitulation (Da Capo) du premier. C’est comme si les « souvenirs » des trois mouvements médians étaient remplacés par le « chagrin » d’aujourd’hui…
Dmitri Chostakovitch (1919-1975)
Quatre Préludes, op. 34
Compositeur et pianiste russe soviétique, Dmitri Chostakovitch est une figure majeure de la musique du XXe siècle. Faisant à l’origine partie d’un ensemble de vingt-quatre courtes pièces écrites pour piano solo en 1932-1933, ces quatre préludes ont ensuite été sélectionnés et arrangés par le violoniste Dmitri Tsyganov, qui les a si bien adaptés que Chostakovitch l’a avoué plus tard : « Lorsque j’entends les transcriptions, j’oublie entre-temps que j’ai composé les préludes pour piano. Ils sonnent tellement violonistiques ». Ce recueil intime, écrit par le compositeur à l’âge prodigieux de vingt-six ans, contient déjà toute la verve, la maîtrise et la profondeur que l’on retrouve dans ses œuvres symphoniques ultérieures.
Gabriel Fauré (1845-1924)
Romance en si bémol majeur pour violon et piano, op. 28
Cette pièce est un bon exemple de la raison pour laquelle l’histoire reconnaît Fauré comme l’un des plus grands mélodistes de sa génération. Si cette Romance est aujourd’hui reconnue comme un chef-d’œuvre, ce n’était pas le cas à l’époque de sa création. Gabriel Fauré a noté que lors de la première audition de la Romance, l’œuvre « fut reçue avec beaucoup de grincements de dents ». Cet événement a eu lieu chez Louis et Pauline Viardot, figures éminentes de l’élite culturelle parisienne. « À la deuxième audition, poursuit Fauré, les lumières se sont allumées, et à la troisième, on l’a comparée à un ruisseau limpide qui coule dans des prairies verdoyantes! Quel dommage que l’on ne puisse pas toujours commencer par la troisième écoute! »
Philip Glass (1937-)
Sonate pour violon et piano
Philip Glass, l’un des compositeurs les plus prolifiques et les plus influents de notre époque, est le premier compositeur à avoir conquis un public large et multigénérationnel à l’opéra, dans la salle de concert, dans le monde de la danse, dans le cinéma et dans la musique populaire – simultanément.
Philip Glass dit à propos de cette sonate : « Parmi mes premiers souvenirs de musique, il y a les nombreuses heures passées à écouter les grands chefs-d’œuvre de la musique de chambre du XIXe siècle avec mon père, Benjamin Glass. Il avait un petit magasin de disques dans le centre de Baltimore et il ramenait régulièrement des albums à la maison. Parmi ses préférés figuraient les sonates pour violon et piano de Brahms, de Fauré et le grand chef-d’œuvre de Franck. J’ai passé de très nombreuses heures avec mon père à écouter ces œuvres ».
Il ajoute :
« Lorsque Mario Bachman (qui a été le premier violoniste à interpréter l’œuvre) m’a proposé une nouvelle œuvre, ces souvenirs musicaux me sont immédiatement venus à l’esprit. Bien sûr, les grands compositeurs du passé ont établi une norme presque impossible à respecter pour le présent. Cependant, il est juste de dire qu’ils continuent d’inspirer les générations d’aujourd’hui et, espérons-le, les générations futures. Il est également juste de dire que, même si le langage musical continue à évoluer avec le temps, de nombreux éléments de base de la structure, de l’harmonie et du rythme auront une sonorité quelque peu familière pour le public d’aujourd’hui. »
Vanessa Marcoux (1986-)
Suite aquatique
Cette suite a été écrite en trois ans pour notre duo. Le deuxième mouvement, à l’origine pour piano solo, a ensuite été arrangé pour inclure le violon. Je me sers de la composition musicale principalement comme outil pour faciliter les voyages dans des domaines autrement inaccessibles. En accord avec cette idée, j’ai décidé de me concentrer sur les recherches océaniques pour cette œuvre. La suite emmène l’auditeur dans un voyage à la découverte de tous les recoins sombres de la vaste mer. Elle plonge dans un monde abyssal imaginaire, en suivant le fil d’un scénario fantaisiste dans lequel un poisson rouge découvre une taverne sous-marine insaisissable…
Barbara Heller (1936-)
Lalai, Une berceuse pour se réveiller?
Barbara Heller est née en 1936 à Ludwigshafen, sur le Rhin, dans une famille de restaurateurs. Elle a étudié la musique à Mannheim et à Munich, et a enseigné le piano de 1958 à 1962 à la Haute École de Musique de Mannheim. Elle a ensuite étudié la composition avec Hans Vogt (Mannheim) et Harald Genzmer (Munich). En tant que membre fondateur de l’« Internationale Arbeitskreis Frau und Musik e. V. » (Groupe de travail international axé sur les femmes et la musique), elle s’est consacrée à la renaissance d’œuvres de compositrices oubliées. Ses œuvres sont caractérisées par l’ouverture et l’amour de l’expérimentation, mais elles défient toujours l’imagination improvisée des interprètes. En outre, à travers sa musique, elle cherche à se rapprocher de la nature – synonyme pour elle d’ouverture sur un cosmos sonore qui la mettra en contact avec le flux éternel de l’existence.
Heller s’est inspiré d’une chanson composée par un groupe d’intellectuels exécutés à Téhéran en 1955 sous le régime du Shah. « Il s’agit d’une chanson de résistance qui parle d’une mère qui chante une berceuse à son enfant en lui racontant ce qui est arrivé à son père. La chanson a été chantée comme une chanson de résistance notamment par les étudiants iraniens à l’étranger pendant la période du régime du Shah » (Dr. Farideh Akashe-Böhme). En s’inspirant de cette chanson et avec la collaboration de la violoniste Helga Wähdel, Barbara Heller a composé le duo Lalai en janvier 1989 pour 50 femmes iraniennes retenues en captivité sous le régime de Khomeini. En guise de déclaration publique de solidarité appelant à leur sauvetage et à leur libération de la prison d’Evin à Téhéran, Heller et Wähdel ont ouvert un concert avec cette œuvre le 27 janvier 1989 à Bonn. Le compositeur a ajouté : « J’ai écrit Lalai du fond de mon cœur ».
Moussorgski (1839-1881)
Tableaux d’une exposition – Extraits (arr. Duo Cordelia)
Bien que cette suite soit aujourd’hui largement reconnue comme l’une des œuvres les plus essentielles de Moussorgski, son accueil public est resté longtemps mitigé, même après la mort du compositeur. L’éminent musicologue Arthur Pouguin l’a jugée informe, sans cohésion chromatique, et largement inadaptée à une présentation publique. C’est Maurice Ravel, avec son instinct insondable et sa perspicacité, qui, à la demande du chef d’orchestre Serge Koussevitzky, a dépoussiéré les toiles d’araignée du manuscrit original et a favorisé la renaissance de l’œuvre, notamment en réalisant un étonnant arrangement pour orchestre en 1922. D’autres arrangements avaient été écrits auparavant, mais ils se sont rapidement évaporés de la sphère publique une fois que la version de Ravel a été popularisée.
L’œuvre a été inspirée par la mort d’un ami très cher du compositeur, l’artiste et architecte Viktor Hartmann. Après son décès, Moussorgski s’est rendu à une exposition de ses peintures, et l’émotion ressentie lors de cette visite l’a incité à écrire les Tableaux en l’espace de six semaines. L’œuvre montre le compositeur marchant dans la galerie et s’arrêtant devant chaque tableau pour contempler et réfléchir à l’art de Hartmann. Chaque tableau est accompagné de son propre scénario, décrivant un éventail de créatures et de scènes de la vie quotidienne. Les thèmes riches et variés sont traduits en représentations musicales vivantes, pleines de vie, d’étincelles et de suspense, pour former un magnifique hommage à l’esprit russe en musique.
