NINA SIMONE (1933-2003) – Love me or Leave me, 1966
Like Glenn Gould or Jacques Loussier, Bach played a decisive influence in the life work of American pianist, and singer-songwriter, Nina Simone. Classically trained, Simone aspired to be a concert pianist, but her time saw it differently. As a female black musician in a particularly harsh social time, Simone’s career went in a different direction, becoming one of the most unique voices in jazz. In 1957, Simone wrote to her parents after playing at Carnegie Hall: “I am finally at Carnegie Hall, but I am not playing Bach.” A year later, Simone recorded her debut album, Little Girl Blue, featuring her arrangement of the song Love me or Leave me, initially written in 1928 by Walter Donaldson. Simone’s version of this song, radically different from the original, is immersed in Bach’s contrapuntal style. Simone breaks free of the standard jazz solo by developing an improvised fugue in the middle of the tune.
ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992) – Vardarito, 1972
Astor Piazzolla was a revolutionary Argentinean composer and virtuoso bandoneon player who infused the tango with foreign influences, particularly from the classical and jazz traditions. This transfusion resulted in a highly personal style known as Nuevo Tango. The featured work in this program, Vardarito, was composed initially for Piazzolla’s quintet and dedicated to his long-time collaborator and violin player Fernando Suarez Paz. The work finds power in its rhythmic force and contrasting melodic sections, lyrical and nostalgic, like Gardel’s emblematic voice, versus blazing and raw sounds like Stravinsky’s rhythmic intensity. This work also shows the influence of Bach’s contrapuntal genius embedded within Piazzolla’s distinctive, nevertheless universal musical language.
FRANCISCO MIGNONE (1897-1986) – Modinha, 1947
Alongside Heitor Villa-Lobos, Mignone was one of Brazilian music’s most significant classical figures during the 20th century. Mignone’s music is known for its lyricism, colourful instrumentation, and improvisatory style deeply rooted in popular and folk traditions. Originally from Portugal, the modinha from Brazil was a type of sentimental love song, ballad-like, played in a slow tempo. Over time, it became a central musical genre in popular culture. Conceived initially for cello and piano, Mignone wrote and published this work in 1939. With Debussy-like harmonies, flexible tempi, and expressive melodies, the version for marimba and cello adds new depth to this work, giving a wooden tone while emphasizing its popular character thanks to the percussiveness of the marimba.
GEORGE GERSHWIN (1898-1937) – Prelude No.2 for Solo Piano, 1926
American composer and pianist George Gershwin wrote some of the most celebrated works of the 20th century, including Rhapsody in Blue and the opera Porgy and Bess. Though he had relatively limited musical training, Gershwin’s imagination and authenticity were evident from his early works. Like Mignone, his music was deeply influenced by French composers, particularly Ravel and Debussy. Gershwin developed a unique style by fusing elements of jazz and blues in his classical writing. The second prelude is one of the three solo piano works he wrote in New York City in 1926. Harmonically, it evokes the duality between the minor and the major chords, like a blues-lullaby, and is sensual and slow with a distinct flavour of jazz harmonies. Stick&Bow’s original arrangement is inspired by Jascha Heifetz’s transcription for violin and piano.
LAURENCE JOBIDON (b. 1992) – Huit broderies sur des fragments de langue, 2023
Broderie: The circumstances we add to a tale so as to embellish it, can also be used to honestly admit a person adds something to the truth.
This saying mentions that languages and words don’t die; they become dormant. According to linguists, the words we erase are old and obsolete. Lacan used to say that languages embraced the contours of our conscience. All the words chosen in this work are, in their way, “obsolete.” Despite this, they tell a story – big or small – that highlights interesting aspects of our humanity; the story of a small feudal cast whose hospitable presence has embellished so many medieval songs until it re-emerged in Ducharme’s writing (vavasseur); the story of a priest, who – maybe out of habit, respect, or stubbornness, kept on using a Latin word made from scratch after being made aware of his mistake (mumpsimus); the one of Cristina Calderon, a living treasure of humanity, the last native speaker of Yagan from the Land of Fire (mamihlapinatapai); the story of a dying habit (jacacear) and of one we may wish to forget (rouker). Experts predict that 50 to 90% of spoken languages will disappear in the current century (3000 to 4000 languages). How many words? How many words to embellish?
JASON NOBLE (b.1980) – Folk Suite, 2019
Folk music is closely linked to regional identity, giving voice to unique experiences of place, perseverance, and pride. Many people feel powerful emotional connections to their native folk traditions, and even folk music from regions or communities to which we do not belong can speak to us with disarming sincerity and directness. Folk music has long inspired classical composers, and many have incorporated folk melodies into their works. But some key aspects of performance practice in folk music elude conventional classical notation. In other words, evoking the characteristics of folk music that make it magical is challenging.
Folk Suite represents an attempt to do just that, emulating not just particular melodies, modes, and rhythms, but also the vast range of tones and timbres – the nuances of narrative delivery, the intricate ornamentation, and the push and pull of time. Contemporary notational techniques offer new ways of capturing such idiosyncrasies, and the cello and marimba – while instruments not customarily associated with Canadian folk music – are ideally suited to conveying them. Written for Stick&Bow in 2019, Folk Suite specifically draws upon the folk traditions of Newfoundland and Labrador, the composer’s home province. Its six miniatures each attempt to capture a different aspect of these rich traditions, emulating both instrumental and vocal genres.
LUNA PEARL WOOLF (b.1973) – Steeped, 2023
For this new Stick&Bow commission, Montreal-based composer Pearl Woolf was inspired by something that seems impossible – to create a piece in which the marimba and cello, two instruments that could not be more different from each other, are melded into one organism. As a result, Steeped evokes a complicated sound world in which both musicians are heard in ways that cross-pollinate and grow out of each other.
Steeped opens into a tremulous world with pizzicato and struck commentary from the instruments before expanding into a lyrical section where the instruments trade and weave melody and accompaniment together, blurring the lines of leader and follower. A frenzied circularity ensues, then quietens, returning to the tremolo world of the opening before an intense crescendo rushes to an ecstatic ending.
GUILLO ESPEL (b. 1959) – Lo azul a través de un hueco, 2023
“Composing is a leap, and a sloppy one, into the void. It is not the expansive abyss of immensity. It is the impudent abyss of the fall. Personally, I find it stimulating to write music thinking about sound materials and not about aesthetics or procedures that can be competed for by elites. I try to generate aesthetic approaches as a result and not as a starting point. Sometimes I believe that the work of a composer is his life itself, a journey, which he did not set out to be. Although only sometimes I think so…” Lo azul a travel de un hueco was inspired by a strong visual image of the different variants of the colour blue. The juxtaposition of the two wooden instruments – the different timbers and colours – produces a unique combination. The wood, an essential element in all aspects of life, reaches new sonic depth in this instrumental combination.
CARLOS PUEBLA (1917-1989) – Hasta siempre, Comandante, 1965
Cuban singer-songwriter Carlos Puebla was an active member of the Nueva Trova Cubana, a musical movement that emerged in the 1960s. This movement was also part of the Nueva Cancion Latinoamericana, which significantly impacted Latin America. Most of Puebla’s musical output were boleros and post-revolution political songs written for guitar and voice. Highly engaged in the social and political life of his native country, his most famous song Hasta siempre, Comandante, was dedicated to the Argentinian political leader and humanist Ernesto Che Guevara. This piece was composed as a farewell letter when Guevara left Cuba to foster revolution in Congo and Bolivia. In this original arrangement, Stick&Bow creates new textures by singing and using extended techniques, which work to highlight the Cuban rhythmic pulsation and groove.
PAU CASALS (1876-1973) – The Song of the Birds, traditional
It is difficult to measure the extent of cellist Pau Casals’ contribution to cello playing in the 20th century. Casals revolutionized the instrument’s technique and was the first musician to perform Bach’s cello suites, bringing back its musical essence and meaning on a concert stage. Politically engaged, Casals went into exile in the south of France during the fascist regime of Franco in Spain. So fierce was his opposition to the regime that he refused to appear in countries that recognized the Spanish government. At this point, Casals arranged and popularized the traditional Catalan folk song, The Song of the Birds, which over time became a hymn for liberty to the Catalan people and internationally. In 1971 at the age of 94, Casals performed this arrangement one last time in front of the United Nations in what would be known as the speech “I am a Catalan.”
LUDWING VAN BEETHOVEN (1770-1827) – Sonata No. 1 in F major, Op. 5, Adagio, 1796 DAVID BOWIE (1947-2016) – All the madmen, 1970
Beethoven and Bowie. What could these two major, but quite contrasting, figures in the history of Western music have in common? Despite the aesthetic of their music and particular social context, B&B were visionary artists whose music evolved over their lifetime, exploring new sounds and techniques, and reaching new heights of artistic creation.
Both were engaged in the struggles of their time. On the political landscape, Beethoven fiercely questioned the monarchy and was often inspired by the ideas of the French Revolution. This also had a major impact on his writing, pushing forward the entire structure of the classical era, and opening the path to romanticism. Bowie was also resistant to the aristocracy, having turned down two honours from the Queen. Furthermore, Bowie’s radical gender-busting personas turned traditional conservative views upside down and widened what was accepted in society.
Both pieces were composed during the early eras of their careers. Beethoven’s Op.5 sonata is credited as one of the first cello sonatas with a written-out piano part, and it was the first time in music history that the two instruments had equal roles instead of melody and continuo. All the madmen, a song from Bowie’s 1970 album, The man who sold the world, explores his fear of insanity. The track uses an engaging orchestration, creating a surprising psychedelic sound world with cymbals, recorders, acoustic, and heavy-rock distorted chords. Both Beethoven and Bowie have made marks on their generation and the ones to follow, musically and culturally, thanks to the mighty strength of the arts.
NINA SIMONE (1933-2003) – Love me or Leave me (Aime-moi ou quitte-moi), 1966
Comme Glenn Gould ou Jacques Loussier, Bach a joué un rôle décisif dans la vie de la pianiste et auteur-compositeur-interprète américaine Nina Simone. De formation classique, Simone aspirait à devenir pianiste de concert, mais son époque voyait les choses différemment. En tant que musicienne noire dans une période sociale particulièrement difficile, la carrière de Simone a pris une direction différente, devenant l’une des voix les plus singulières du jazz. En 1957, Simone écrit à ses parents après avoir joué au Carnegie Hall : « Je suis enfin à Carnegie Hall, mais je ne joue pas Bach. » Un an plus tard, Simone enregistre son premier album, Little Girl Blue (Petite fille bleue), dans lequel elle arrange la chanson Love me or Leave me, initialement écrite en 1928 par Walter Donaldson. La version de Simone de cette chanson, radicalement différente de l’originale, est imprégnée du style contrapuntique de Bach. Simone s’affranchit du solo de jazz standard en développant une fugue improvisée au milieu de la chanson.
ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992) – Vardarito, 1972
Astor Piazzolla était un compositeur argentin révolutionnaire et un bandonéoniste virtuose qui a imprégné le tango d’influences étrangères, en particulier des traditions de la musique classique et du jazz. Cette transfusion a donné naissance à un style très personnel connu sous le nom de Nuevo Tango (Nouveau tango). L’œuvre vedette de ce programme, Vardarito, a été composée initialement pour le quintette de Piazzolla et dédiée à son collaborateur de longue date, le violoniste Fernando Suarez Paz. L’œuvre trouve sa puissance dans sa force rythmique et ses sections mélodiques contrastées, lyriques et nostalgiques, comme la voix emblématique de Gardel, contre des sons brûlants et bruts, comme l’intensité rythmique de Stravinsky. Cette œuvre montre également l’influence du génie contrapuntique de Bach dans le langage musical particulier, mais universel, de Piazzolla.
FRANCISCO MIGNONE (1897-1986) – Modinha, 1947
Avec Heitor Villa-Lobos, Mignone a été l’une des figures classiques les plus importantes de la musique brésilienne au cours du XXe siècle. La musique de Mignone est connue pour son lyrisme, son instrumentation colorée et son style d’improvisation profondément enraciné dans les traditions populaires et folkloriques. Originaire du Portugal, la modinha brésilienne était un type de chanson d’amour sentimentale, semblable à une ballade, jouée sur un tempo lent. Au fil du temps, elle est devenue un genre musical central dans la culture populaire. Conçue initialement pour violoncelle et piano, Mignone a écrit et publié cette œuvre en 1939. Avec des harmonies à la Debussy, des tempi souples et des mélodies expressives, la version pour marimba et violoncelle donne une nouvelle profondeur à cette œuvre, en lui donnant un ton boisé tout en soulignant son caractère populaire grâce à la percussion du marimba.
GEORGE GERSHWIN (1898-1937) – Prélude n° 2 pour piano solo, 1926
Le compositeur et pianiste américain George Gershwin a écrit certaines des œuvres les plus célèbres du XXe siècle, notamment Rhapsody in Blue et l’opéra Porgy and Bess. Bien qu’il ait reçu une formation musicale relativement limitée, l’imagination et l’authenticité de Gershwin sont évidentes dès ses premières œuvres. Comme Mignone, sa musique a été profondément influencée par les compositeurs français, en particulier Ravel et Debussy. Gershwin a développé un style unique en fusionnant des éléments de jazz et de blues dans son écriture classique. Le deuxième prélude est l’une des trois œuvres pour piano solo qu’il a écrites à New York en 1926. Sur le plan harmonique, il évoque la dualité entre les accords mineurs et majeurs, comme une berceuse de blues, et est sensuel et lent, avec une saveur distincte d’harmonies de jazz. L’arrangement original de Stick&Bow s’inspire de la transcription pour violon et piano de Jascha Heifetz.
LAURENCE JOBIDON (née en 1992) – Huit broderies sur des fragments de langue, 2023
Broderie : Les circonstances que l’on ajoute à un récit pour l’embellir. Ce mot peut aussi être utilisé pour admettre honnêtement qu’une personne ajoute quelque chose à la vérité.
Ce dicton mentionne que les langues et les mots ne meurent pas, ils deviennent dormants. Selon les linguistes, les mots que nous effaçons sont vieux et obsolètes. Lacan disait que les langues épousaient les contours de notre conscience. Tous les mots choisis dans ce travail sont, à leur manière, « obsolètes ». Malgré cela, ils racontent une histoire – petite ou grande – qui met en lumière des aspects intéressants de notre humanité; l’histoire d’une petite troupe féodale dont la présence hospitalière a embelli tant de chansons médiévales jusqu’à ce qu’elle réapparaisse dans l’écriture de Ducharme (vavasseur); l’histoire d’un prêtre qui, par habitude, par respect ou par entêtement, a continué à utiliser un mot latin créé sur mesure après avoir été informé de son erreur (mumpsimus); l’histoire de Cristina Calderon, trésor vivant de l’humanité, dernière locutrice native du yagan du pays du feu (mamihlapinatapai); l’histoire d’une habitude mourante (jacacear) et d’une habitude que l’on souhaite peut-être oublier (rouker). Les experts prévoient que 50 à 90 % des langues parlées disparaîtront au cours de ce siècle (3 000 à 4 000 langues). Combien de mots? Combien de mots à embellir?
JASON NOBLE (né en 1980) – Folk Suite (Suite folklorique), 2019
La musique folklorique est étroitement liée à l’identité régionale, donnant voix à des expériences uniques de lieu, de persévérance et de fierté. De nombreuses personnes ressentent des liens émotionnels puissants avec leurs traditions folkloriques d’origine, et même la musique folklorique de régions ou de communautés auxquelles nous n’appartenons pas peut nous parler avec une sincérité et une franchise désarmantes. La musique folklorique inspire depuis longtemps les compositeurs classiques, et nombre d’entre eux ont intégré des mélodies folkloriques dans leurs œuvres. Mais certains aspects essentiels de la pratique de la musique folklorique échappent à la notation classique conventionnelle. En d’autres termes, il est difficile d’évoquer les caractéristiques de la musique folklorique qui la rendent magique.
Folk Suite représente une tentative de faire exactement cela, en émulant non seulement des mélodies, des modes et des rythmes particuliers, mais aussi la vaste gamme de tons et de timbres – les nuances de la narration, l’ornementation complexe, et la poussée et l’attraction du temps. Les techniques contemporaines de notation offrent de nouvelles façons de saisir ces particularités, et le violoncelle et le marimba – instruments qui ne sont pas habituellement associés à la musique folklorique canadienne – conviennent parfaitement pour les transmettre. Écrite pour Stick&Bow en 2019, Folk Suite s’inspire spécifiquement des traditions folkloriques de Terre-Neuve-et-Labrador, la province d’origine du compositeur. Ses six miniatures tentent chacune de capturer un aspect différent de ces riches traditions, émulant à la fois des genres instrumentaux et vocaux.
LUNA PEARL WOOLF (née en 1973) – Steeped (Imprégné), 2023
Pour cette nouvelle commande de Stick&Bow, la compositrice montréalaise Pearl Woolf a été inspirée par quelque chose qui semble impossible – créer une pièce dans laquelle le marimba et le violoncelle, deux instruments qui ne pourraient être plus différents l’un de l’autre, se fondent en un seul organisme. Steeped évoque ainsi un monde sonore complexe dans lequel les deux musiciens sont entendus de manière à se croiser et à se développer l’un l’autre.
Steeped s’ouvre sur un monde tremblant avec des pizzicatos et des commentaires frappés des instruments avant de s’étendre à une section lyrique où les instruments échangent et tissent mélodie et accompagnement ensemble, brouillant les lignes de démarcation entre le meneur et le suiveur. Une circularité frénétique s’ensuit, puis s’apaise, revenant au monde de trémolos de l’ouverture avant qu’un crescendo intense ne se précipite vers une fin extatique.
GUILLO ESPEL (né en 1959) – Lo azul a través de un hueco (Le bleu à travers un trou), 2023
« Composer, c’est faire un saut, et un saut maladroit, dans le vide. Ce n’est pas l’abîme expansif de l’immensité. C’est l’abîme impudent de la chute. Personnellement, je trouve stimulant d’écrire de la musique en pensant aux matériaux sonores et non à l’esthétique ou aux procédures pour lesquelles les élites peuvent rivaliser. J’essaie de générer des approches esthétiques comme résultat et non comme point de départ. Parfois, je pense que l’œuvre d’un compositeur est sa vie même, un voyage qu’il n’a pas prévu de faire. Même si ce n’est que parfois que je le pense… » Lo Azul a través de un hueco a été inspiré par une image visuelle forte des différentes variantes de la couleur bleue. La juxtaposition des deux instruments en bois – les différents bois et couleurs – produit une combinaison unique. Le bois, un élément essentiel dans tous les aspects de la vie, atteint une nouvelle profondeur sonore dans cette combinaison instrumentale.
CARLOS PUEBLA (1917-1989) – Hasta siempre, Comandante (Adieu, commandant), 1965
L’auteur-compositeur-interprète cubain Carlos Puebla était un membre actif de la Nueva Trova Cubana, un mouvement musical apparu dans les années 1960. Ce mouvement faisait également partie de la Nueva Canción Latinoamericana(Nouvelle chanson latino-américaine), qui a eu des répercussions importantes sur l’Amérique latine. La majeure partie de la production musicale de Puebla était constituée de boléros et de chansons politiques post-révolutionnaires écrites pour la guitare et la voix. Très engagé dans la vie sociale et politique de son pays natal, sa chanson la plus célèbre, Hasta siempre, Comandante, est dédiée au leader politique et humaniste argentin Ernesto Che Guevara. Ce morceau a été composé comme une lettre d’adieu lorsque Guevara a quitté Cuba pour promouvoir la révolution au Congo et en Bolivie. Dans cet arrangement original, Stick&Bow crée de nouvelles textures en chantant et en utilisant des techniques étendues, qui mettent en valeur la pulsation rythmique et le groove cubains.
PAU CASALS (1876-1973) – Le chant des oiseaux, traditionnel
Il est difficile de mesurer l’ampleur de la contribution du violoncelliste Pau Casals à la pratique du violoncelle au XXesiècle. Casals a révolutionné la technique de l’instrument et a été le premier musicien à interpréter les suites pour violoncelle de Bach, lui redonnant son essence musicale et sa signification sur une scène de concert. Engagé politiquement, Casals s’est exilé dans le sud de la France pendant le régime fasciste de Franco en Espagne. Son opposition au régime est si farouche qu’il refuse de se produire dans les pays qui reconnaissent le gouvernement espagnol. C’est alors que Casals arrange et popularise la chanson folklorique catalane traditionnelle, Le chant des oiseaux, qui devient au fil du temps un hymne à la liberté pour le peuple catalan et à l’échelle internationale. En 1971, à l’âge de 94 ans, Casals interprète une dernière fois cet arrangement devant les Nations Unies, dans ce qui sera connu comme le discours « Je suis catalan ».
LUDWING VAN BEETHOVEN (1770-1827) – Sonate n° 1 en fa majeur, opus 5, Adagio, 1796
DAVID BOWIE (1947-2016) – All the madmen (Tous les hommes fous), 1970
Beethoven et Bowie. Que peuvent bien avoir en commun ces deux figures majeures, mais très contrastées, de l’histoire de la musique occidentale? Malgré l’esthétique de leur musique et leur contexte social particulier, Beethoven et Bowie étaient des artistes visionnaires dont la musique a évolué tout au long de leur vie, explorant de nouveaux sons et de nouvelles techniques, et atteignant de nouveaux sommets dans la création artistique.
Tous deux étaient engagés dans les luttes de leur temps. Sur le plan politique, Beethoven remettait farouchement en question la monarchie et s’inspirait souvent des idées de la Révolution française. Cela a également eu un effet majeur sur son écriture, repoussant toute la structure de l’ère classique et ouvrant la voie au romantisme. Bowie était également réfractaire à l’aristocratie, ayant refusé deux distinctions honorifiques de la Reine. En outre, les personnages radicaux de Bowie, qui s’attaquent au genre, ont bouleversé les opinions conservatrices traditionnelles et élargi ce qui était accepté dans la société.
Les deux œuvres ont été composées au début de leur carrière. La sonate opus 5 de Beethoven est considérée comme l’une des premières sonates pour violoncelle avec une partie de piano écrite, et c’est la première fois dans l’histoire de la musique que les deux instruments ont des rôles égaux au lieu d’une mélodie et d’une basse continue. All the madmen, une chanson tirée de l’album de 1970 de Bowie, The man who sold the world (L’homme qui a vendu le monde), explore sa peur de la folie. Le morceau utilise une orchestration engageante, créant un monde sonore psychédélique surprenant avec des cymbales, des flûtes à bec, des accords acoustiques et des accords distordus de heavy-rock. Beethoven et Bowie ont tous deux marqué leur génération et celles qui suivront, musicalement et culturellement, grâce à la puissance des arts.
